El nuevo Museo Europeo de Arte Moderno: otra plaza fuerte

"El MEAM es el nuevo templo de esta nueva religión. La religión de los que creen, en pleno siglo XXI, en el Arte."

Fachada del Palacio Gomis

Con esa frase contundente como slogan el pasado 8 de junio abrió sus puertas el nuevo Museo Europeo de Arte Moderno MEAM. Este Museo fue creado por la conocida Fundació de les Arts i els Artistes que desde el año 2005 se dedica con ahínco a la promoción y divulgación del arte figurativo haciendo exposiciones, publicaciones y un concurso anual cuya bolsa de premios para el año 2011 ya está en 200.000 Euros. Este concurso promovido por  la Fundación es de los pocos certámenes en el mundo que actualmente considera el oficio y la manera como está ejecutada la obra técnicamente como una de las cualidades que se tienen en cuenta a la hora de otorgar los premios, además claro de la imaginación y la originalidad de la propuesta pictórica.

El Museo estará ubicado en el Palacio Gomis, un edificio del siglo XVIII con un poco más de 1700 metros cuadrados  ubicado en el famoso barrio Gótico de Barcelona, muy cerca de otros cuatro museos entre ellos el Picasso y el Barcier Mueller.  El Palacio con una larga tradición histórica que incluye a generales napoleónicos, grandes mercaderes y conocidas prostitutas, había ganado en el 2002 el premio FAD a las artes decorativas por su rehabilitación y era desde entonces el Centro de Exposiciones de Arte Contemporáneo hasta que en el año 2006 fue adquirido por la Fundación para que albergara su ya cuantiosa colección de pintura y escultura figurativa y realista.

Patio Barroco del Museo

Mientras que muchas instituciones europeas languidecen por la mala calidad de lo que exhiben y por los presupuestos cortados en medio de la crisis económica, la Fundació de les Arts i els Artistes ha tenido un crecimiento constante que les permite inaugurar hoy ese maravillosos espacio. Los Caballeros de San Lucas que durante siglos han creído en la buena pintura celebran con beneplácito la apertura de este nuevo espacio, otra plaza fuerte desde donde se defenderán nuestras convicciones.

Les dejo un fragmento extenso con la opinión de los directores de la fundación y los links para los que quieran profundizar en el tema.

Sala noble

“...cuanta más cohesión y unidad exista entre los artistas contemporáneos, más justificación tendrá la Fundación para dar a conocer al mundo una obra colectiva que está decidida a no seguir marginada de las páginas de la historia del arte de nuestro siglo.

El MEAM es el nuevo templo de esta nueva religión. La religión de los que creen, en pleno siglo XXI, en el Arte. Un arte que ya no se conforma con la experimentación convertida en fin en sí misma, ni con el permanente ensayo de formas sin lograr ninguna definitiva, ni con el culto al ruido por el ruido, ni con video montajes lastrados por el aburrimiento. En fin, un arte que se justifique  en sí mismo por ser algo directo, expreso, rotundo, absoluto, real, inteligible y genial.

El arte ha de ser asimilable para el espectador. El arte ha de ir dirigido al hombre de la calle, no al erudito. El arte ha de hablar el lenguaje del pueblo, no el de los académicos.

El intelectual puede escribir interesantes ensayos sobre la obra de arte, pero el artista no vive de esos ensayos. Los académicos pueden aplaudir a los artistas ya consagrados, pero eso no les garantizará sobrevivir a su tiempo. Lo único que da sentido al arte es saber conectar con la gente, llegar a la sensibilidad del espectador.

Y para eso no hacen falta títulos ni diplomas. Basta con saber crear.

La abstracción y todos los ismos que nacieron como un proceso de ruptura con el arte a lo largo del siglo pasado, han acabado sentándose en los sillones de las academias contemporáneas e imponiendo sus cánones estéticos en todas las instituciones oficiales. La experimentación copa todas las ferias de arte contemporáneo.    

Y aquel olor inicial de aire fresco, de ruptura, de novedad, ha sido sustituido por el tufillo de lo rancio, lo manido, lo repetitivo y, en resumen, lo aburrido. Porque no hay en verdad nada más aburrido que la reiterada repetición de lo que se dice novedoso cuando ya ha perdido el encanto de la novedad.

El arte que, hasta ahora, se creía con el derecho de apropiarse con carácter de exclusividad del calificativo de contemporáneo, ha dejado de decir cosas interesantes. Lo que el MEAM presenta en ésta su primera exposición es otra forma, profundamente original, de ver y sentir el arte contemporáneo. Y si esta exposición genera polémica sobre los caminos del arte más actual, habrá valido la pena.

Es un retorno a los orígenes que se nos habían ocultado repetidamente. Es el reconocimiento de los valores que se han negado año tras año en las universidades y las escuelas. Es el valor de la calidad sobre la novedad. Es el valor de la tradición, la recuperación del valor del oficio, la importancia del trabajo personal en soledad, es el culto al genio, el reconocimiento de las obras de los grandes maestros. Es el retorno a virtudes como la perseverancia, la constancia, la creación personal. Es abandonar los demagógicos montajes de objetos inconexos para retornar a la intimidad del taller del artista, a la creación de la obra personal, elaborada, meditada y largamente perseguida”

Web del Museo

http://www.meam.es/

Página de Facebook

 https://www.facebook.com/pages/MEAM-Museu-Europeu-dArt-Modern/151884811548602

La técnica de Rembrandt: un secreto revelado que aporta pistas para comprender la de Velázquez

La estampa de los cien florines, aguafuerte

Dentro de la obra de Rembrandt existen dos características conocidas por todos, su pasión por las técnicas de grabado y el cuerpo de su pintura de la cual coloquialmente decían que se podían coger sus retratos por la nariz. En ambos casos sus sorprendentes resultados han hecho que se hagan centenares de conjeturas de los materiales y las técnicas con que los lograba. La finura de la cera transparente con que cubría las láminas de cobre para retocar una y otra vez sus grabados, así como el tipo de mordiente que utilizaba han hecho que proliferen las “formulas secretas” usadas por Rembrandt, la mayoría de ellas producto de la especulación de artistas, grabadores  y restauradores. De igual manera la pasta lograda para las luces altas y la capas con cuerpo semi transparente de los tonos medios de sus pinturas hizo que durante todo el siglo XIX y buena parte del XX aparecieran recetarios dedicados a desentrañar los secretos de sus particulares preparaciones,  en las que se incluían fórmulas con toda clase de barnices, secantes y aditivos extraños,  la mayoría de ellos refutados una y otra vez por los estudios científicos realizados en Londres, Nueva York y Ámsterdam en las últimas tres décadas.

Los  análisis químicos y las diferentes pruebas de laboratorio a la que han sido sometidas sus obras tampoco han arrojado datos  concluyentes sobre la manera como fueron pintadas, aunque arrojan numerosas pistas que seguramente están mucho más cerca de la verdad que los manuales decimonónicos. Los estudios concluyen con una paleta básica en la que abundan los pigmentos de hierro y plomo y que básicamente consta de: negro, rojo ocre (óxido de hierro) , bermellón, amarillo de plomo, blanco de Plomo, azurita, esmalte azul de origen indeterminado y varios cafés sólidos y transparentes no completamente definidos (con presencias de manganeso, hierro y otros metales presentes en muchas tierras pardas).  Paleta que no se distancia de los pintores holandeses de su tiempo como tampoco sucede con los fondos usados o la sub-pintura en la que en algunas veces se han encontrado trazas  de temples de huevo.

Mujer bañándose, óleo/lienzo

¿Entonces que podría tener de diferente su técnica? Parece que como se ha pensado siempre podría estar en la clase de medio utilizado y en la adición de pequeñas cantidades de un aditivo que también encontramos en Velázquez y en otros pintores de su tiempo “tiza”. La tiza - carbonato de calcio básico, yeso de París, yeso muerto, Creta o blanco de España - como es llamado de manera indistinta en los diferentes manuales antiguos, es un aditivo inerte prácticamente incoloro al contacto con los líquidos oleaginosos, que sirve como sustancia de carga para espesar y darle cuerpo a las luces o para hacer colores transparentes rebajados en el medio utilizado con un poco de cuerpo (menos etéreos que una veladura convencional).  Sin embargo como era un elemento muy conocido por los pintores de su tiempo parece que éste tampoco pudo ser el factor que diferenció  la técnica de Rembrandt y el que le permitió crear efectos singulares aún hoy difícilmente repetidos. Queda entonces únicamente la posibilidad de un medio o un aglutinante especial.

En este punto las diferentes investigaciones han concluido que al igual que Velázquez la pintura de Rembrandt se hizo sin mayores aditivos. Una y otra vez los análisis de laboratorio demostraron que el aglutinante básico era el aceite de linaza o de nuez libre de adiciones de barnices, trementinas espesadas, aceites de espliego, secantes de manganeso o cobalto o los muchos elementos que por siglos hicieron parte de las supuestas recetas secretas de Rembrandt y Velázquez. Estas conclusiones son en Rembrandt de la National Gallery de Londres (White and Kirby 1994) y en Velázquez del Museo del Prado (Garrido, Brown 1991 y 2005)

Sin embargo la pregunta de cómo lograron sus sorprendentes efectos cobra mayor vigencia ante esas conclusiones científicas y surge ahora un camino nuevo propuesto por la pintora y grabadora Sarah Belchetz-Swenson y por el restaurador Phoebe Dent Weil del Northern Light Studio de San Luis Missouri quienes proponen que la clave de éste “medio secreto” podría estar en el aceite usado para las tintas de grabado (hueco grabado o grabado calcográfico). Estas tintas se hacían desde el siglo XVI y aún se hacen a partir del llamado aceite quemado “Burnt plate oil” que no es otra cosa que aceite de linaza que ha sido cocinado al fuego en un recipiente metálico hasta el punto en que hace ignición de manera natural. La formula de preparación no ha variado mucho desde que aparece registrada en la obra Traicté des Manières de Graver en Taille-Douce sur l’Airin  manual de grabado publicado por Abraham Bosse en 1645

Esta pista aportada por el Northern Ligth Studio abre un camino nuevo y sorprendente ya que este aceite tiene unas valiosas propiedades para el grabado que sinceramente podrían ser la clave de los trabajos de Rembrandt, Velázquez y porque no de otros creadores del mismo periodo como Rivera y que por supuesto no marcaría ningún aditivo químico en los análisis científicos ya que únicamente está hecho de aceite de linaza.

La novia judía, óleo/lienzo

La propiedades que logra la tinta de grabado (compuesta de pigmentos, aceite quemado y Creta) se resumen en su especial viscosidad o grosor, su capacidad glutinosa o pegajosa, su tixotropía llamada también falso cuerpo que significa que si se mueve es líquida y si se deja quieta se espesa, su descuelgue o  longitud de tinta que reproduce con pincel los mismos efectos de Rembrandt y finalmente  su rápido secado estando espesa que permitiría trabajar sobre ella en un par de días.



Añadir leyenda



El dato del aceite espesado aportado por el Northen Ligth Studio encuentra una relación con el desarrollo de la pintura de Rembrandt, ya que al principio de su carrera es un pintor preciosista que llena los cuadros con pulidos y delicados detalles y es a partir del llamado primer periodo de Ámsterdam que comienza en 1932, que hace las luces reforzadas de manera pastosa coincidiendo con su conocimiento del grabado y del aceite espesado ya que  comienza a experimentar con las técnicas de grabado en Harlem en 1926 abriendo en los años treinta su propio taller de estampación. Su investigación con la técnica de ceras, mordientes y tintas de grabado llega a su punto máximo en 1640 con la llamada estampa de los cien florines. Posteriormente su pintura  se va engrosando  paulatinamente hasta el punto que en su periodo tardío, a partir de 1650, sus pinceladas se haces sueltas y toscas sobre gruesas masas aplicadas con espátula.

Cabe anotar a los amigos del Northen Ligth Studio que una fórmula similar a la de Bosse aparece en  El Arte de la Pintura del pintor sevillano Francisco Pacheco publicado entre 1632 y 1638 como medio para usar en las capas superiores de la pintura al óleo. Pacheco como se sabe fue maestro y suegro de Velázquez. En su libro también se habla de las adiciones de Creta al óleo para lograr ciertas calidades especiales.

Dicho aceite espesado al fuego hasta quemarse también es mencionado en los manuscritos del médico y químico Theodore De Mayerne  (ca. 1620) como aditivo a la pintura al óleo de los artistas flamencos y holandeses de su tiempo.

Así las cosas parece que el que nunca fue secreto de los grandes maestros fue redescubierto nuevamente.

Si deseas saber más sobre el informe del Northen Ligth Studio (en inglés): http://www.northernlightstudio.com/burnoil.php

Si deseas consultar la edición original de la obra de Bosse para la preparación del aceite (en francés): http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k117103s

Si deseas adquirir el aceite quemado al fuego: http://www.gamblincolors.com/printmaking-materials/modifiers.html y, https://www.graphicchemical.com/shopdisplayproducts.asp?id=265&cat=Ink+Conditioners+%26+Modifiers

CONSEJOS DE INGRES A SUS ALUMNOS

·        En todo lo que vemos hay una caricatura que es preciso captar. El pintor debe ser fisionomista, buscar la caricatura.

·        Sólo se puede ser un buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

·        Coged el carácter individual de vuestro modelo; de un hombre fuerte no hagáis sólo su parecido: cogedle bien el carácter hercúleo.

·        Fijaos en la “pose” de la cabeza y el cuerpo; caracterizad la persona que queréis pintar. El cuerpo no debe seguir el  movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudiad la natural fisionomía de vuestro modelo; ponedle luego en consecuencia, dándole la expresión conveniente.

·        Antes de empezar, se ha de interrogar al modelo.

·        No hay dos personas que se parezcan; dad a cada uno su carácter individual, hasta en los menores detalles.

·        El croquis es el arte de coger el carácter, la línea dominante, característica, de un objeto, su espíritu.

·        Es necesario estudiar y observar las poses habituales en cada edad.

·        En los movimientos hay siempre un perfil que importa más que el otro.

·        Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en un mismo tiempo y hasta el último momento armonizar y tenerlo todo justo.

·        Dibujad los ojos cuando os paseéis.

·        Se pinta como se dibuja.

·        Atacad al negro furiosamente, pero desarrollad, desarrollad.

·        No es por lo blanco que lo vemos todo antes, sino por las medias tintas y las fuertes sombras.

·        Los detalles son unos habladores que es necesario meter en cintura.

·        Observad bien los límites de las sombras, de la media tinta y de los claros. Evitad el exceso de reflejos que podrían romper la masa.

·        Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros posibles.

·        Se ha de infundir la salud en la forma: perfeccionar desde un principio, construir, buscar, juntar por las líneas, comparar las grandes distancias, los grandes trazos, armonizar.

·        Ved el progreso del arte: Miguel Ángel ante todo; luego Rafael, que debe toda su grandeza a Miguel Ángel. Los dos llegaron a lo sublime del pensamiento, ¿y qué camino tomaron para llegar? El ser humildes, el de estar sometidos, el de copiarlo todo tontamente.

Descripción de un Caballero de San Lucas

Para que no me confundas

Otros rechazan el oficio;
Mis manos crean mundos.

Otros abstraen;
Yo concreto ideas.

Otros quieren ser contemporáneos;
Prefiero ser eterno.

Otros rechazan la tradición;

Yo aprendo del pasado.

Otros experimentan, buscan y prueban;
Yo encuentro.

Otros prefieren a Duchamp;

Yo bebo de la fuente de Velázquez.

Otros quieren seguir la vanguardia;
Yo nado contra la corriente.

Otros evitan la figura humana;
Conozco de curvas, músculos y huesos.

Otros se esfuerzan por ser fieles a la realidad;
Prefiero que la pintura sepa a pintura y no a foto.

Otros transcriben fotografías;
Yo creo realidades.

Otros pintan con la teoría del color;
Yo hago teorías con mis colores.

Otros quieren decir a través de su obra;
Yo dejo que ella me hable.

Otros hacen todo por dinero

Yo lo hago por placer.

Otros prefieren el espectáculo de un arte ruidoso;

Yo busco el silencio de las grandes obras.

Otros buscan sorprender

Yo prefiero conmover.

Otros creen en el poder del dinero

Yo en el poder de una pincelada justa.

Otros para sus obras contratan hacedores;

Mi trabajo es una forma de meditación.

Otros se creen la verdad;

Yo busco el misterio.

Otros ambicionan la fama

Yo deseo la felicidad.

Variación a la oración  "Yo" de un caballero de la orden

Grados de los Caballeros de la Orden de San Lucas

Grados espirituales:

Postulante: El que por todos los medios desea aceptar el reto de defender las bellas artes con su ingenio y con sus propias manos.

Peregrino: El que busca el conocimiento en el camino recorrido por otros y sin desfallecer  va a los santos lugares mendigando un poco del buen arte y la buena pintura.

Misionero: El que incansablemente predica los rudimentos del oficio y guía a la desarraigada y repudiada masa de creyentes.  

Caballero: El que habiendo aceptado el reto, buscado el conocimiento, y predicado el oficio se dedica con su obra y su vida a defender hasta la muerte la grandeza del arte.

Llamado a la acción

Apreciados amigos y correligionarios

Creo que es hora de dejar el letargo en que los enemigos del buen arte nos han sumido y enfrentar las responsabilidades que conlleva nuestra fe.  Es tiempo de salir de las cuevas, de abandonar las madrigueras y los refugios para enfrentarnos al mundo y sus demonios; plantarnos frente a la tormenta que el frío de la ignorancia ha producido entre los prosaicos mortales y a golpes de pinceladas abrirnos camino entre la bruta hueste de los orcos del arte contemporáneo. Es hora de dejar los corrillos privados, las voces bajas, las miradas esquivas  y el miedo al rechazo, es el momento de desempolvar nuestro estandarte y bajo la divina protección de Garay, Acevedo Bernal y Vázquez Cevallos lanzarnos a la defensa de nuestros ideales.

Ha llegado el momento de emprender nuevamente una santa cruzada para proteger  el templo del gran arte universal y el escaso conocimiento de los grandes maestros que aún sobrevive entre nosotros.

Invocando entonces a los más puros apóstoles de nuestro oficio los convoco para que en torno a San Lucas y con códigos caballerescos cerremos nuestras filas y tomemos el lugar que nos corresponde entre los que ya han muerto. Hagamos públicos los votos que con lápiz afilado hemos hecho en papeles secretos. Unjámonos en aceite de linaza, el divino elixir, y tomando nombres nuevos renazcamos en una vida de servicio, peregrinaje y ferviente lucha por superar todo lo ya realizado.

¡Hijos de Apeles, descendientes de la estirpe de Velázquez y Sorolla, herederos del renacimiento,  americanos sin fatiga ancestral! ¡Que el caos, la pereza y la banalidad del arte actual sienta la llegada de vosotros La Resistencia!

La tenebrosa oscuridad estética del siglo XX ha concluido, unidos veremos pronto el comienzo de un nuevo amanecer en un siglo que les vaticino que será nuestro.

Todos aquellos que se sientan capaces y dignos de ser Caballeros de la Orden de San Lucas que den un paso al frente.

Convocador

Cennino Cennini